Spisu treści:
SZYBKIE INFO - SZTUKA KLASYCYZMU (Może 2024)
Klasycyzm i neoklasycyzm w sztuce, tradycji historycznej lub postawach estetycznych opartych na sztuce Grecji i Rzymu w starożytności. W kontekście tradycji klasycyzm odnosi się albo do sztuki wytwarzanej w starożytności, albo do sztuki inspirowanej sztuką starożytną; Neoklasycyzm zawsze odnosi się do sztuki powstałej później, ale inspirowanej starożytnością. Tak więc terminy klasycyzm i neoklasycyzm są często używane zamiennie.
Malarstwo zachodnie: neoklasycyzm
Neoklasycyzm był szeroko rozpowszechnionym i wpływowym ruchem w malarstwie, a inne sztuki wizualne, które rozpoczęły się w latach 60. XVIII wieku, osiągnęły swój szczyt
Charakterystyka
W odniesieniu do postawy estetycznej klasycyzm przywołuje cechy zwykle związane ze sztuką starożytną - harmonię, jasność, powściągliwość, uniwersalność i idealizm. Ze względu na duże uznanie dla sztuki starożytnej, czasami „klasyczne” oznacza, że przykład jest najlepszy w swoim rodzaju (np. Klasyczny przykład willi). Co więcej, „klasyczny” jest czasami używany w odniesieniu do etapu rozwoju, który niektórzy historycy i estetycy określili jako regularną cechę tego, co postrzegali jako cykliczny rozwój wszystkich stylów. W takich schematach faza klasyczna to moment, w którym styl jest w pełni i najbardziej harmonijny; uważa się, że faza ta postępuje prymitywnie lub mniej całkowicie zrealizowana i poprzedza fazę „wychowaną”, „barokową” lub „dekadencką”, w której styl traci swą pierwotną siłę, a czasem jest bezsensownie rozwinięty. Fazy zachodniej historii sztuki, które celowo naśladują bezpośrednio antyczny przykład, są zwykle nazywane neoklasycystycznymi.
W tradycji zachodniej okresy klasycyzmu dzielą cześć dla modeli starożytności, ale mogą się one znacznie różnić w interpretacji i zastosowaniu tych modeli, w zależności od okresu i gatunku (takich jak malarstwo, architektura, literatura i muzyka). W sztukach wizualnych, oprócz ogólnych cech związanych z estetyczną postawą klasycyzmu, artyści klasycyzujący preferują nieco bardziej specyficzne cechy; obejmują one linię nad kolorem, linie proste nad krzywymi, frontalność i kompozycje zamknięte nad diagonalnymi kompozycjami w przestrzeń kosmiczną i ogólne nad konkretnymi. Niemniej jednak, ilekroć artyści odwoływali się do starożytności, nosili ze sobą problemy i ideały swoich czasów, interpretując na różne sposoby, co starożytność miała do zaoferowania. Klasycyzm był historycznie postrzegany jako jedna z wielu biegunowych przeciwieństw. Te polaryzacje mogą oznaczać opozycje estetyczne lub krytyczne (klasyczne kontra romantyczne, klasyczne kontra awangardowe) lub mogą wskazywać na opozycje historyczne (poniżej, pierwszy termin każdej pary uważa się za ucieleśniający cechy estetyczne klasycyzmu: renesans kontra gotyk, Wysoki renesans kontra manierysta oraz poussinist kontra rubenista).
Architektura i sztuki wizualne
Tradycja klasyczna nie wygasła w średniowieczu, ale z powodu zdecydowanych starań Włochów z XV i XVI wieku, by pochłonąć klasycyzm starożytności, włoski renesans był pierwszym okresem głębokiego klasycyzmu po starożytności. XV-wieczny architekt Leon Battista Alberti przyrównał klasycyzm i piękno i zdefiniował piękno w architekturze jako „harmonię i zgodność wszystkich elementów osiągniętych dzięki przestrzeganiu dobrze ugruntowanych zasad [opartych na studiach starożytnych dzieł] i prowadzących do takiej jedności, że nic nie można było dodać, zabrać ani zmienić, z wyjątkiem gorszych. ” Powiedział, że „rzeźbiarz powinien dołożyć wszelkich starań, aby wyrazić to zarówno przez deportację… i łożysko… postaci, życia i charakteru… osoby. ” W malarstwie artyści mieli wybierać tematy, które gloryfikowały człowieka, wykorzystywać postacie dostosowane do reprezentowanych działań i naśladować wygląd działań w świecie przyrody. W sztukach wizualnych klasycyzm renesansu uosabia Dawid Michała Anioła (1501–04; Accademia, Florencja), portret Baldassare Castiglione (1516; Luwr, Paryż) Raphaela oraz Palazzo Caprini Donato Bramante (ok. 1510; Rzym); zniszczone).
Przykłady starożytności i renesansu w Rzymie zapewniły standard klasycyzmu na następne dwa wieki we Włoszech, podczas gdy w XVII-wiecznej Francji przykłady te, wraz z teoriami Albertiego, zaprowadziły głównych artystów francuskich do oczyszczonego klasycyzmu. Szczególnie ważne były Nicolas Poussin w malarstwie (np. Pejzaż z pogrzebem Fokiona [1648; Luwr]) i François Mansart w architekturze (np. Kościół Val-de-Grace [1645–67; Paryż; z Jacques Lemercier]). W XVIII-wiecznej Anglii klasycyzm w architekturze - oparty na pracach i traktacie włoskiego architekta Andrei Palladio, samych opartych na starożytności rzymskiej i renesansowym Rzymie - zapewnił standardy klasycyzmu, które przenikały architekturę angielską i amerykańską aż do początku XIX wieku (np. Lord Burlington, Chiswick House, Middlesex, rozpoczęty w 1725 r.; Thomas Jefferson, Monticello, Charlottesville, Wirginia, ukończony 1809 r.). Akademickie podejście malarzy angielskich, takich jak Sir Joshua Reynolds, zapewniało lekcje renesansowego klasycyzmu, który zdominował podobny okres malarstwa angielskiego i amerykańskiego.
W połowie XVIII wieku klasycyzm był atakowany z dwóch stron. Autorytatywne równanie klasycyzmu i piękna było podważane przez tęsknotę za wzniosłością, tak że romantyczne fantazje, sugestywne aluzje i dziwaczne wynalazki stały się bardziej cenione niż klasyczna jasność i godność. Podobnie, zaakceptowana wyższość starożytności rzymskiej była kwestionowana przez zwolenników Grecji. Na przykład historyk sztuki starożytnej Johann Winckelmann widział w rzeźbie greckiej „szlachetną prostotę i cichą wielkość” i napominał artystów, by naśladowali naturę naśladując Greków, ponieważ tylko oni ujawnili wielkość człowieka - klasycystyczna doktryna przetłumaczona z Rzymu na Grecję. W rzeźbie program ten śledził zwłaszcza Antonio Canova. Z drugiej strony, w malarstwie Jacques-Louis David przywrócił formalne standardy Rafaela i Rzymu Augusta i zamienił klasycyzm w narzędzie, które służyło nowym tematom nawołującym i pochwalającym, do wykonania których zostali powołani malarze (np. Oath of the Horatii [1784; Luwr]). Powściągliwość, wielkość i prostota, wraz z precyzyjnym przedstawieniem i ścisłą spójnością czystej formy i szlachetnej treści, nadal stanowiły klasycyzm w wielu dziełach późniejszych artystów, takich jak Pablo Picasso, Aristide Maillol i Henry Moore.
Po połowie XVIII wieku klasycyzm w architekturze związał się z racjonalizmem. Różne neoklasycyzmy powstały dzięki czci dla modeli greckich, rzymskich lub renesansowych. Na początku XX wieku klasyczne wymagania dotyczące harmonii, proporcji i zgodności części były stosowane do nowych technologii w celu uporządkowania wielu stylów. Architekci Le Corbusier i Ludwig Mies van der Rohe zilustrowali dwa różne sposoby dostosowania klasycznych cech stylistycznych do współczesnych problemów i materiałów.
Inne sztuki
Okresy klasycyzmu w literaturze i muzyce na ogół pokrywały się z okresami klasycyzmu w sztukach wizualnych. Na przykład w literaturze pierwsze poważne odrodzenie klasycyzmu miało miejsce także w okresie renesansu, kiedy szczególnie naśladowano prozę Cycerona. Francja w XVII wieku rozwinęła bogaty i zróżnicowany klasycyzm w literaturze, podobnie jak w sztukach wizualnych. Dramatycy Pierre Corneille i Jean Racine, wraz z filozofami Blaise Pascal i René Descartes, byli szczególnie ważni. W Anglii klasycyzm w literaturze powstał później niż we Francji i osiągnął swój zenit w XVIII-wiecznych pismach Johna Drydena i Aleksandra Pope'a. Gotthold Ephraim Lessing, Johann Wolfgang von Goethe i Friedrich Schiller byli ważnymi postaciami niemieckiego klasycznego ruchu literackiego. Na początku XX wieku TS Eliot i zwolennicy Nowego Krytyki byli czasami uważani za klasycystów z powodu nacisku na formę i dyscyplinę.
W muzyce wielki okres klasyczny powstał pod koniec XVIII wieku i był zdominowany przez kompozytorów z niemieckojęzycznej części Europy: Josepha Haydna, Wolfganga Amadeusza Mozarta, Christopha Glucka i młodego Ludwiga van Beethovena. Ich muzyka jest dopracowana, wyrafinowana i melodyjna. W swojej epoce po raz pierwszy w historii muzyka instrumentalna stała się ważniejsza niż muzyka wokalna. Intensywne zainteresowanie taką muzyką i uregulowaną „klasyczną” formą doprowadziło do standaryzacji orkiestr symfonicznych, zespołów kameralnych, fortepianów i różnych form kompozytorskich.
